La obra del español Daniel García Andújar (Almoradí, 1966) se enmarca dentro de las nuevas prácticas artísticas tendientes a la descentralización de las estructuras de poder jerárquico presentes en la web y en los medios de información y opinión, así como en un ejercicio critico-creativo que aborda problemáticas inherentes a la multiculturalidad, indagando en distintos tópicos como el racismo, la discriminación social y la xenofobia.

El usuario como productor y la experiencia colaborativa.

   Este texto está escrito a partir de la observación de algunas experiencias de producción audiovisual en la red, con características de trabajo colectivo, co-autoral u otros modos de participación colaborativa. El ejemplo del Renga (poesía ligada de origen japonés) se utiliza como un antecedente histórico en el que se encuentran aplicados recursos de creación grupal, a modo de diálogo poético. La propuesta benjaminiana del autor como productor, el trabajador inmaterial y el migrante como sujetos históricos, los “objetos epistémicos” de Knorr Cetina, la táctica según de Certeau, y la incidencia de la idea de “postproducción”, son algunos de los temas y las líneas teóricas que cruzan el texto.

  El sábado 23 de agosto a las 11 de la mañana, (la misma semana del Seminario antes comentado) la organización Artistas contemporaneos Asociado (ACA) organizó una junta tipo Seminario con Gustavo Buntinx, curador peruano a cargo del proyecto Micromuseo y que, además, forma parte del equipo curatorial de la esperada y misteriosa Trienal de Santiago 2009.

  La semana pasada asistí a dos reuniones, ambas inscritas dentro del área de las artes: El Seminario Internacional de Fotografía Latinoamericana y el Encuentro con Gustavo Buntix, de ACA.
  Escribo el presente texto para comentar sus fortalezas y, por qué no, denunciar sus falencias.

   Si algunas piezas de arte contemporáneo parecieran cerrarse ante la permeabilidad de las comunicaciones -planteándose metáforas herméticas que remiten de la obra hacia dentro- otras utilizan diversas estrategias que llevan al límite sus propias condiciones de subsistencia. Y de estas últimas, más allá de su potencial visibilidad, su apertura a interpretaciones que permitan posicionarlas dentro de los contextos en los que funcionan, permite extraer lúcidas nociones sobre las actuales retóricas de identidad. Retóricas que han sido tan mal tratadas por las aguas servidas del romanticismo y que parecieran perder fuerza en la medida que son abandonadas por la moda.

  La categoría de campo expandido parece haberse naturalizado no sólo en el discurso analítico de las artes, sino en el de la cultura dando lugar a una visión de mayores posibilidades para abarcar (y explicar) fenómenos antes ignorados; pero esta expansión del campo también puede generar horizontes infinitos y volátiles en los que cualquier mirada sea miraje.
Por lo que antes de darla por hecho y seguir construyendo el lugar común, es necesario hacer una revisión crítica de este término y entender sus implicaciones.

   Lo sucedido con los temas de documenta a nivel escrito con las revistas, sucedió también en la obra de Lotty Rosenfeld: me refiero al contraste entre el revisionismo y las propuestas.

   Un comentario a propósito del llamado “maletín literario”, una iniciativa gubernamental que busca incentivar la lectura repartiendo una selección de libros que fueron especialmente escogidos por otro selecto grupo de “representantes de la cultura”.

A fines de los años sesenta y a principios de los setenta, un momento único de colaboración política y cultural se estaba forjando en América Latina. La convicción de la proximidad de fuertes cambios sociales, impulsó diversas formas de innovación comprometida.
Prácticas intensas y a veces contradictorias se estaban llevando a cabo: serigrafía pop y propagandística, la fundación de un museo como acto de confrontación al imperialismo mediático estadounidense, y la realización arquitectónica de una empresa colectiva; constituyeron algunos acercamientos a la idea utópica de crear espacios “del pueblo y para el pueblo”.

Entrevista al curador José Roca realizada por Jaime Iregui y los participantes de [esferapública], Bogotá, Colombia.

Polémica v/s reflexión

   Asisto inicialmente como espectadora virtual, como lectora virtual, al no poco ruido que ha provocado la presentación del montaje de egreso de la Escuela de Teatro de la Universidad Católica (UC), Insultos al púvlico (sic) a través de la prensa que circula por Internet, presentación que finalmente ha provocado la petición de renuncia a la dirección de dicha escuela a su directora, Verónica García-Huidobro y la no renovación de contrato a su profesor e investigador Rodrigo Canales. Petición que se emite desde el Decanato de la Facultad de Artes, específicamente a través de su representante, el decano, Jaime Donoso.

    Los temas convocados a documenta 12, con el cual se organizaron los tres ejes de documenta 12 magazines fueron: 1. ¿Es la Modernidad Nuestra Antigüedad? 2. La Nuda Vida. Subjetividad. 3 ¿Qué Hacer? Educación. En este artículo revisaremos estos temas.

En la documenta 12 de Kassel 2007, fuimos invitados como revista a colaborar en el proyecto documenta 12 magazines. Proyecto en el que participamos elaborando una serie de ensayos relativos a la producción local de arte contemporáneo y los temas propuestos por el grupo editorial de d12m: ¿Es la Modernidad Nuestra Antigüedad? - La Nuda Vida - ¿Qué Hacer? Educación. Estas colaboraciones fueron abiertas a diferentes personas externas a nuestra revista, las cuales amablemente cedieron su tiempo y sus conocimientos al proyecto. Sin embargo, algunas observaciones surgen como participantes del proyecto y como asistentes al evento Documenta. En una serie de puntos reflexionaré sobre lo acontecido en Documenta 12 y las implicaciones de la escritura de arte en un evento validado históricamente, pero que en esta ocasión adoleció de serios problemas para enfrentar la realidad de un arte que se encuentra más aglomerado por el mercado de los eventos que por su necesidad de proponer y estimular las relaciones culturales.

Paisagem caótica que a propriedade compactada, em logos e marcas, ocupa. As interferências no meio urbano poluem, mas seguem o entendimento lógico capitalista: o outdoor mostra um sapato gigante para vendê-lo; a placa do restaurante pisca para chamar clientela; há fila no comércio para que todos paguem na justa ordem de chegada etc.

Gordon Matta-Clark, uno de los hijos gemelos del pintor Roberto Matta Echaurren, realizó en un tiempo récord, del año 70 al 78, una de los corpus de obra más complejos del arte del último tercio del siglo XX. A medio camino entre la escultura y la arquitectura o, mejor dicho, simbiotizando ambas desde sus bases espaciales y conceptuales, estudiando arquitectura y construyéndose como artista en los límites más críticos de los convulsos años setenta, huyendo como del fuego del minimalismo y pop que inundaban el neoyorquino mundo del arte de los últimos años sesenta, utilizando todos los medios de expresión y reproducción que su tiempo histórico pudo permitirle, inventando una obra radical en un tiempo de transición entre lo que fue y lo que pudo ser, Matta-Clark representa como ningún otro artista la condición de héroe moderno poseedor de los mejores atributos de los artistas del momento y casi ninguna de sus fallas.